VÍCTOR HUGO RASCÓN BANDA / HOMENAJE A 10 AÑOS DE SU PARTIDA

CATANTA APACHES DE LOS TEXTOS DE VÍCTOR HUGO RASCÓN BANDA / PRESENTADA POR LA ORQUESTA SINFÓNICA DE LA UACH EN EL PARANINFO

La Orquesta Sinfónica de la Universidad Autónoma de Chihuahua
Te invita a su concierto

CATANTA APACHES
Textos de Víctor Hugo Rascón Banda en su X Aniversario Luctuoso

Música del Mtro. Raúl García Velázquez
Solistas: Gerardo Reynoso, Pamela Martínez, Paloma Salmón, Ezequiel Cervantes y Coro de la OSUACH

Este JUEVES 22 DE NOVIEMBRE 2018 en el Paraninfo Universitario a las 20:00 horas
Boletos en Caja Única de Rectoría $50 Entrada general $30 con credencial de maestro, estudiante e INAPAM acceso a niños mayores de 7 años

Día Mundial del Teatro 2018 / la mexicana Sabina Berman es la mensajera oficial de Las Américas, desde París, sede del ITI-UNESCO

Mensaje del Día Mundial del Teatro 2018 - Las Américas

Sabina Berman, México Escritora, periodista

Podemos imaginar

La tribu caza pájaros lanzando pequeñas piedras, cuando el enorme mamut irrumpe y RUGE – y al mismo tiempo un pequeño humano RUGE como el mamut. Luego, todos corren… Ese rugido de mamut proferido por una mujer humana –quiero imaginarla mujer-- es el inicio de lo que nos hace la especie que somos. La especie capaz de imitar lo que no somos. La especie capaz de representar al Otro.

Saltemos 10 años, o 100, o mil. La tribu ha aprendido a imitar a otros seres y representa al fondo de la cueva, en la luz temblorosa de la hoguera, la cacería de esa mañana. Cuatro hombres son el mamut, tres mujeres son el río, hombres y mujeres son pájaros, árboles, nubes. Así, la tribu captura el pasado con su don para el teatro. Más asombroso: así la tribu inventa posibles futuros: ensaya posibles formas de vencer al enemigo de la tribu, el mamut.

Los rugidos, los silbidos, los murmullos –las onomatopeyas de ese primer teatro—se volverán lenguaje verbal. El lenguaje hablado se volverá lenguaje escrito. Por otro derrotero, el teatro se volverá ritual y luego cine. Y en la semilla de cada una de estas formas seguirá estando el teatro. La forma más sencilla de representar. La forma viva de representar. El teatro, que mientras más sencillo más íntimamente nos conecta a la capacidad humana más asombrosa, la de representar al Otro.

Hoy celebramos en todos los teatros del mundo esa gloriosa capacidad humana de hacer teatro. De representar, y así capturar nuestro pasado para entenderlo --o de inventar posibles futuros para la tribu, para ser más libres y más felices.

Hablo por supuesto de las obras de teatro que realmente importan y trascienden el entretenimiento. Esas obras de teatro que importan, hoy se proponen lo mismo que las más antiguas: vencer a los enemigos contemporáneos de la felicidad de la tribu, gracias a la capacidad de representar.

¿Cuáles son los mamuts a vencer hoy en el teatro de la tribu?
Yo digo que el mamut mayor es la enajenación de los corazones humanos. Nuestra pérdida de la capacidad de sentir con los Otros: de sentir compasión. Y nuestra incapacidad de sentir con lo Otro no humano: la Naturaleza.

Vaya paradoja. Hoy, en la orilla final del Humanismo –de la era del Antropoceno—de la era en que el humano es la fuerza natural que más ha cambiado y cambia el planeta-- la misión del teatro es inversa a la que reunió a la tribu originalmente para hacer teatro al fondo de la cueva: hoy debemos rescatar nuestra conexión con lo natural.

Más que la literatura, más que el cine, el teatro –que exige la presencia de unos seres humanos ante otros seres humanos-- es maravillosamente apto para la tarea de salvarnos de volvernos algoritmos. Puras abstracciones.

Quitémosle al teatro todo lo superfluo. Desnudémoslo. Porque mientras más sencillo el teatro, más apto para recordarnos lo único innegable: somos mientras somos en el tiempo, somos mientras somos carne y huesos y un corazón latiendo en nuestros pechos. Somos aquí y ahora solamente.

Viva el teatro. El arte más antiguo. El arte más presente. El arte más asombroso. Viva el teatro.

Para celebrar su 70º aniversario, el Instituto Internacional del Teatro ha seleccionado este año a cinco autores para escribir los Mensajes del Día Mundial del Teatro, uno de cada una de las cinco regiones de la UNESCO: Asia Pacífico, los Países Árabes, Europa, las Américas y África.

Mensaje de Ram Gopal Bajaj - India - Asia Pacífico (director de teatro, actor de teatro y cine, académico, ex director de la Escuela Nacional de Teatro, Delhi)

Luego de todos los relatos de la evolución, en resumen sólo podemos estar seguros de una cosa; que todas las formas de vida intentan sobrevivir hasta la eternidad. Si es factible, se quisiera que la vida prevalezca a través del tiempo y el espacio hasta convertirse en inmortal. En este proceso, las diversas formas de vida también se mutilan y destruyen a sí mismas. Sin embargo, necesitamos limitar la deliberación a la supervivencia de la humanidad y su emancipación de la cueva de los cazadores de la Edad de Piedra hasta nuestra Era Espacial. ¿Somos ahora más considerados? ¿Jubilosos? ¿Entregamos más amor hacia la naturaleza de la cual somos producto?

Desde nuestros inicios, las artes performativas (danza, música, actuación/drama) cuentan con el instrumento desarrollado de la lengua, consistente en vocales y consonantes. La vocal básicamente expresa los sentimientos o emociones, y las consonantes expresa las formas y el pensamiento/conocimiento. Matemática, geometría, armamentos y ahora computadores han sido sus resultados. Por tanto, ahora no podemos retroceder el tiempo de esta evolución de la lengua. La tierra misma no sobreviviría si el júbilo colectivo de las artes vivas y el conocimiento (incluyendo la tecnología) no se hubiera emancipado, re-sublimado de lo mundano, de la furia, de la avaricia y del mal.

Los medios masivos y nuestra ciencia y tecnología nos han vuelto poderosos como demonios. Así, la forma del teatro no son las crisis de hoy, pero sí es la crisis del contenido, de la declaración y la preocupación. Necesitamos apelar al hombre de la tierra de hoy, a salvar el planeta tierra y por lo tanto, el teatro. En un nivel pragmático las artes del actor y las artes performativas en vivo necesitan estar al alcance de la mano de los niños de educación primaria. Es esa generación la que, según considero, es más sensible a lo correcto de la vida y la naturaleza. La ventaja de la lengua por lo tanto, puede ser mucho menos dañino a la madre tierra y a otros planetas. Más aún, el teatro será más importante para la conservación y el sostenimiento de la vida misma. Por lo tanto necesitamos empoderar al performer y al espectador sin amenazarnos en esta era cósmica de unión.

Saludo al teatro y apelo al mundo su implementación y facilitamiento desde sus bases, en áreas rurales y urbanas.

"Miembro, Lingua and Compassion together in Education for the Generations"

Traducción del inglés al castellano: Daniel Zárate

Mensaje de Maya Zbib - Líbano - Países Árabes (directora de teatro, performer, escritora, cofundadora de la Zoukak Theatre Company)

Es un momento de comunión, un encuentro irrepetible, que no existe en ninguna otra actividad secular. Es el simple acto de un grupo de personas que escoge agruparse en un mismo lugar al mismo tiempo para ser parte de una misma experiencia. Es una invitación a individuos a convertirse en colectivo, a compartir ideas, a imaginar formas para dividir la carga de acciones necesarias… a recuperar lentamente su conexión humana y encontrar similitudes a pesar de las diferencias. Es donde una historia específica puede seguir los rastros de la universalidad… aquí se funda la magia del teatro; donde la representación recupera sus propiedades arcaicas.

En una cultura global del miedo desenfrenado del otro, aislamiento y soledad, estar presente juntos, visceralmente, en el aquí y el ahora, es un acto de amor. La decisión de tomarse un tiempo aparte de la inmediata gratificación y auto-indulgencia en nuestra sociedad de ritmo altamente consumista; a reducirse, a contemplar y reflexionar juntos es un acto político, un acto de generosidad.

Después de la caída de las más grandes ideologías, y según el actual orden mundial es prueba de su fracaso década tras década, ¿Cómo podemos re-imaginar nuestro futuro? Como la seguridad y la comodidad son las principales preocupaciones y prioridad en predominancia en los discursos, ¿aún podemos contratar en conversaciones incómodas? ¿Podemos cruzar hacia territorios peligrosos sin tener miedo de perder nuestros privilegios?

Hoy, la velocidad de la información es más importante que el conocimiento, los eslóganes son más importantes que las palabras, y las imágenes de cadáveres son más reverenciados que los cuerpos humanos reales. El teatro está para recordarnos que estamos hechos de carne y hueso, y que nuestros cuerpos tienen peso. Está aquí para despertar todos nuestros sentidos. El teatro está aquí para devolver el poder y significado de las palabras, para robar el discurso de los políticos y devolverlo al lugar correcto… a la arena de ideas y debates, el espacio de la visión colectiva.

A través del poder de contar historias y de la imaginación, el teatro nos da nuevas formas de ver el mundo y a nosotros mismos; abrir un espacio para reflexiones comunes en medio de la abrumadora ignorancia de la intolerancia. Cuando la xenofobia, el discurso de odio y la supremacía blanca está de vuelta sobre la mesa, después de años de trabajo duro y sacrificios de millones de personas alrededor del mundo para avergonzarlos y considerarlos inaceptables… cuando los adolescentes son sentenciados y encarcelados por rehusarse a ser cómplices de la injusticia y el apartheid… cuando personajes infames y el despotismo de la derecha gobiernan algunos de los países más grandes del primer mundo… cuando una guerra nuclear se avecina como un juego virtual entre los hombres-niños en el poder… cuando la movilidad se vuelve cada vez más restringida a unos pocos selectos… cuando refugiados mueren en el mar tratando de entrar en las altas fortalezas de sueños ilusos, como más y más costosísimos muros se construyen… ¿Cuándo será que cuestionemos a nuestro mundo, donde la mayor parte de la prensa está vendida? Dónde más que en la intimidad del teatro somos capaces de repensar nuestra condición humana para imaginar el nuevo orden mundial… colectivamente, con amor y compasión, pero también con confrontaciones constructivas e inteligentes, con resiliencia y fuerza.

Viniendo desde la región Árabe puedo hablar de las dificultades que enfrentan los artistas para hacer su trabajo. Pero yo soy parte de una generación de hacedores de teatro que se sienten privilegiados que los muros que necesitamos destruir siempre hayan sido visibles. Esto nos ha llevado a aprender a transformar lo que está disponible e forzar la colaboración e innovación a sus límites; haciendo teatro en sótanos, techos, en salas, en corredores, y en las calles; a construir nuestra audiencia en el camino, en ciudades, villas y campos de refugiados. Tenemos la ventaja de tener que construir todo desde cero, y de concebir maneras de evadir la censura todo el tiempo, aun cruzando las líneas rojas y desafiando tabúes. Hoy esos muros miran hacia los hacedores de teatro del mundo, como la financiación nunca ha sido tan escasa y la corrección política es el nuevo censor.

Así, la comunidad teatral internacional tiene un rol colectivo que hacer hoy más que nunca, enfrentar estos muros tangibles e intangibles. Hoy más que nunca hay una necesidad de creativamente reinventar nuestras estructuras políticas y sociales con honestidad y coraje, para confrontar nuestras deficiencias, y para asumir la responsabilidad del mundo que somos parte de crear.

Como hacedores de teatro del mundo, nosotros no seguimos una ideología o un sistema de creencias, pero tenemos en común nuestra eterna búsqueda por la verdad en todas sus formas, nuestro continuo cuestionamiento del status quo, nuestro desafío al sistema de poder opresor y por último pero no menos importante, nuestra integridad como seres humanos.

¡Somos muchos, somos valientes y estamos aquí hoy!

Traducción del inglés al castellano: Daniel Zárate

Mensaje de Simon McBurney - Reino Unido - Europa (actor, escritor, director de escena, cofundador del Théâtre de Complicité)

A media milla de la costa de Cirenaica en el norte de Libia existe un vasto refugio rocoso de 80 metros de ancho y 20 de altura. En el dialecto local se le conoce como Hauh Fteah. En 1951 el análisis de datación por carbono 14 demostró una ocupación humana ininterrumpida de al menos 100.000 años. Entre los artefactos desenterrados había una flauta de hueso datada entre 40.000 y 70.000 años. Siendo un niño, al oír esto le pregunté a mi padre:

“¿Ellos tenían música?”

Me sonrió.

“Al igual que todas las comunidades humanas.”

Mi padre era un arqueólogo estadounidense, el primero en excavar en Hauh Fteah, en Cirenaica.

Me siento muy honrado y feliz de ser el representante europeo del Día Mundial del Teatro de este año.

En 1963, mi predecesor, el gran Arthur Miller, dijo en un momento donde la amenaza de guerra nuclear arrojaba su sombra sobre el mundo: “Cuando se nos pide escribir en un momento donde la diplomacia y la política tienen brazos tan terriblemente cortos y débiles, el delicado pero a veces amplio abrazo del arte debe soportar la carga de sostener unida la comunidad humana”. El significado de la palabra Drama deriva del griego “dran” que significa “hacer”… y la palabra teatro que procede del término griego “Theatron”, literalmente significa el “lugar donde se mira”. Un lugar no solo dónde miramos, también donde vemos, obtenemos, entendemos. Hace 2.400 años, Polykleitos el Joven diseñó el gran teatro de Epidauro. Con capacidad para 14.000 personas, la asombrosa acústica de este espacio abierto es milagrosa. Un diálogo desde el centro del escenario puede ser oído en todos los 14.000 asientos. Como era usual en los teatros griegos, cuando observabas a los actores, también podías ver el paisaje detrás de ellos. Esto no solo juntaba varios lugares a la vez, -la comunidad, el teatro y el mundo natural-, también unificaba todos los tiempos. De la misma manera que la obra evocaba mitos del pasado en el tiempo presente, podías ver más allá del escenario tu futuro final. La naturaleza.

Una de las revelaciones notables de la reconstrucción de “El Globo” de Shakespeare en Londres también está relacionada con aquello que vemos. Esta revelación tiene que ver con la luz. Tanto el escenario como el auditorio estaban iluminados por igual. Los artistas y el público se podían ver unos a otros. En todo momento. Dondequiera que mires hay personas. Y en consecuencia, se nos recuerda que el gran soliloquio de, digamos, Hamlet o Macbeth, no eran meditaciones privadas sino debates públicos.

Vivimos en un tiempo donde es difícil ver con claridad. Estamos rodeados de más ficción que en cualquier otro momento de la historia o la prehistoria. Cualquier “hecho” puede ser cuestionado, cualquier anécdota puede reclamar nuestra atención como una “verdad”. Una ficción en particular nos rodea continuamente. Aquella que busca dividirnos. De la verdad. Y de unos a otros. Y así, estamos separados. Las personas de las personas. Las mujeres de los hombres. Los seres humanos de la naturaleza.

Pero al igual que vivimos en un tiempo de división y fragmentación, también vivimos en un tiempo de inmenso movimiento. Como nunca antes en la historia las personas se están desplazando; muchas veces volando; caminando; nadando si hace falta; migrando; por todo el mundo. Y esto es solo el comienzo. La respuesta, como sabemos, ha sido el cierre de fronteras. La construcción de muros. La exclusión. El aislamiento. Vivimos en un orden mundial tiránico, donde la indiferencia es moneda y la esperanza una carga de contrabando. Y parte de esta tiranía es el control, no solo del espacio, sino también del tiempo. Este tiempo en que vivimos renuncia al presente. Se concentra en el pasado reciente y en el futuro. Yo no tengo eso… Yo compraré aquello…

Ahora lo he comprado, necesito tener la próxima… cosa. El pasado lejano está destruido. El futuro sin consecuencias.

Muchos afirman que el teatro no puede ni podrá cambiar nada de esto. Pero el teatro no va a desaparecer. Porque el teatro es un sitio. Me gustaría llamarlo un refugio. Donde las personas se congregan e inmediatamente forman comunidades. Tal y como hemos hecho siempre. Todos los teatros son del tamaño de las primeras comunidades humanas, de cincuenta a 14.000 almas. Desde una caravana de nómadas a un tercio de la antigua Atenas.

Y dado que el teatro solo existe en el presente, también cuestiona esta desastrosa visión del tiempo. El momento presente es siempre un tema del teatro. Sus significados se construyen mediante un acto comunitario entre el intérprete y el público. No solo aquí, sino ahora. Sin la actuación del intérprete el público no podría creer. Sin la creencia del público, la interpretación no sería completa. Nos reímos al mismo tiempo. Nos conmovemos. Nos quedamos sin aliento o enmudecemos. Y en ese momento, mediante el teatro descubrimos la más profunda verdad: que aquella que considerábamos la más privada división entre nosotros, los límites de nuestra propia conciencia individual, tampoco tiene fronteras. Es algo que compartimos.

Y no nos pueden parar. Cada noche reapareceremos. Cada noche los actores y la audiencia se reunirán de nuevo y la misma obra volverá a ser representada. Porque, como dice el escritor John Berge, “Muy dentro de la naturaleza del teatro hay un sentido de retorno ritual”, la razón por la cual ha sido siempre la forma de arte de los desposeídos, algo que a causa del desmantelamiento de nuestro mundo, somos todos. Dondequiera que haya intérpretes y audiencias las historias que no se pueden contar en ningún otro sitio se representarán, ya sea en las óperas y teatros de nuestras grandes ciudades, o en los campos que acogen migrantes y refugiados en el norte de Libia y en todo el mundo. Siempre estaremos unidos, en comunidad, en esta representación.

Y si estuviéramos en Epidauro podríamos levantar la vista y observar cómo compartimos todo esto con un panorama mayor. Porque siempre somos parte de la naturaleza y no podemos escapar de ello así como no podemos escapar del planeta. Si nos encontráramos en “El Globo” veríamos como preguntas aparentemente privadas se nos plantean a todos nosotros. Y si pudiésemos tener la flauta cirenaica de hace 40.000 años entenderíamos el pasado y el presente como indivisibles, y que la cadena que une la comunidad humana nunca será rota por los tiranos y demagogos.

Fuente traducción: Ministerio de Educación, Cultura y Deporte de España

Mensaje de Wèrê Wèrê Liking - Costa de Marfil - África (artista multidisciplinar)

Un día,
Un humano decide hacerse preguntas frente a un espejo (el público)
A inventarse respuestas, y frente a ese mismo espejo (su audiencia)
A criticarse a sí mismo, a burlarse de sus mismas preguntas y respuestas,
A reír o llorar, de cualquier forma, pero al final
A agradecer y bendecir a su espejo (su audiencia)
Por darle este momento de despecho y respiro.
Él se inclina y agradece, mostrando gratitud y respeto…
Muy en el fondo, él buscaba paz,
Paz consigo mismo y con su espejo:
Él hacía teatro…

Ese día, él hablaba…
Olvidando sus defectos, sus paradojas y distorsiones,
Mostrándose a través de la mímica y las contorsiones;
Su mezquindad que ha hecho olvidar su humanismo
Sus trucos que lo llevaron al cataclismo
Él hablaba consigo mismo…
Admirando sus arrebatos repentinos,
En sus aspiraciones a la grandeza, a la belleza,
A ser mejor, a un mundo mejor
Que hubiera construido desde sus propios pensamientos
Que podría haber forjado con sus propias manos
Si él y su espejo comparten el deseo…
Pero él sabe: él sólo hacía representaciones
De burla, sin duda, de ilusión,
Pero también, por supuesto, de acciones mentales
Construcción, recreación del mundo,
Él estaba haciendo teatro…

Incluso eliminando toda esperanza,
Por sus palabras y gestos acusadores,
Estaba empeñado en creer
Que todo podría ser logrado en esa sola noche.
Por sus locas miradas,
Por sus dulces palabras,
Por su sonrisa malvada,
Por su humor delicioso,
Por sus palabras que, aunque lastimen
Opera la cirugía de un milagro;
Sí, él estaba haciendo teatro.

Y en general,
En casa, en África,
Especialmente en la Kamite[1] parte de la cual vengo,
No nos ocupamos de nada;
Todos nos reímos igual, de luto mientras lloramos.
Los Gbégbé[2] o los Bikoutsi[3]
Tallan máscaras aterradoras;
Glaé[4], Wabele[5] o Poniugo[6]
Para entender los principios
Que imponen en nosotros los ciclos y los tiempos;
Y títeres, que como nosotros,
Terminan interpretando a sus creadores
Y al subyugar a sus titiriteros
Conciben ritos donde la palabra hablada,
Es engrandecida con canciones y respiraciones;
Avanza hacia la conquista de lo sagrado,
Provocando bailes similares a trances,
Encantamientos y llamados a la devoción;
Pero también, y sobre todo, estallidos de risas
Para celebrar el júbilo de la vida
Que ni los siglos de esclavitud y colonización
Racismo y discriminación
Ni eternidades de atrocidades inenarrables
Podrán sofocar o arrebatar
De nuestra alma paternal de padre y madre de la humanidad;
En África, como en todo el resto del mundo
Hacemos teatro…

Y en este año especial dedicado a ITI
Estoy particularmente feliz y honrado
De representar a nuestro continente
Como portador de su mensaje de paz.
El Mensaje Pacífico del Teatro;
Porque este continente del que se dijo, no hace mucho tiempo,
Que cualquier cosa podría pasar
Sin que nadie sienta el menor malestar o lástima,
Es otra vez reconocido en su rol primordial
De padre y madre de la humanidad;
Porque todos esperan encontrar paz
En los brazos de sus padres, ¿no es así?

Como tal, nuestro teatro, más que nunca convoca
Y compromete a todos los seres humanos, y especialmente
A todos los que comparten el pensamiento, la palabra y la acción teatral,
De tener más respeto para ellos mismos y para los demás
Al rescatar los mejores valores humanos;
En la esperanza de pedir una mejor humanidad para todos:
Una que traiga inteligencia y entendimiento.
Al usar esta parte de la mayoría de las culturas humanas
Una de las pocas que borra los límites: el teatro.
Una de las más generosas porque habla todos los idiomas,
Envuelve a todas las civilizaciones, refleja todos los ideales,
Y expresa una profunda unidad de todos los hombres, que,
A pesar de las confrontaciones
Están especialmente interesados en conocerse mejor
Y a amarse mejor, en paz y tranquilidad.
Cuando la representación se vuelve participación
Recordándonos la labor de la acción que recae en nosotros
El poder del teatro de hacer reír y llorar, juntos.
Al aminorar la ignorancia, al incrementar el conocimiento.
Es así como ese hombre se convierte otra vez en la mayor riqueza del hombre.

Nuestro teatro propone, reexaminar fundamentalmente
Todos estos principios humanísticos, todos estas altas virtudes,
Todas estas ideas de paz y amistad entre las personas
Muy defendidas por la UNESCO
Para reencarnar en las escenas que creamos hoy
Para que estas ideas y principios se conviertan en necesidades esenciales
Y una reflexión profunda de los mismos hacedores de teatro
Quienes luego, podrán compartirlas mejor con su público.

Es por esto que nuestra última creación titulada “L’Arbre Dieu” repite las recomendaciones de Kindack[7] Ngo Biyong Bi Kuban[8], nuestro maestro, dice:
“Dios es como un gran árbol”
Del cual sólo se puede percibir un aspecto a la vez
Desde el ángulo donde es comtemplado:
Quien sea que vuele sobre el árbol sólo percibirá el follaje
Y quizá frutas y flores;
Quien viva bajo tierra sabrá más sobre las raíces;
Los que se inclinen contra el árbol lo reconocerán
Por la sensación en sus espaldas;
Aquellos que vienen de cada uno de los puntos cardinales
Verán un aspecto, y los que vienen del lado contrario no necesariamente tendrán acceso;
Algunos privilegiados percibirán el secreto
Entre la corteza y la pulpa de la madera;
Y aún otros, la médula del árbol.
Pero, como sea, la superficialidad
O la profundidad de percepción de cada uno,
Ninguno está ubicado desde el ángulo desde el cual
Tú eres capaz de percibir todos esos aspectos
A menos que te conviertas en este árbol divino.
Pero entonces, ¿aún seremos humanos?

Que todo el teatro en el mundo tolere y acepte a cada uno
Para servir mejor al objetivo global de ITI
Para que, finalmente, en su 70 aniversario,
Haya más paz en el mundo
Con una fuerte participación del teatro…

[1] Kamite, también se refiere a los nativos y sus descendientes dispersos por el mundo en sus diásporas, así como practicantes de la religión original de su región.

[2] Gbégbé, un baile tradicional de los Bétés, Costa de Marfil, usado en demostraciones públicas de regocijo o luto.

[3] Bikoutsi, Una danza original Fan Beti del sur de Camerún, inicialmente practicada por mujeres para que sean bendecidos por la madre tierra: buenas cosechas, mejor clima, etc. En el cual era necesario golpear la tierra vigorosamente para que escuche sus pedidos.

[4] Glaé, sistema religioso de los We y Wobe, del oeste de Costa de Marfil, basado en “las máscaras”. Una entera jerarquía de máscaras, frecuentemente aterradoras, que actúan como piedra angular de todas las creencias y organizaciones sociales.

[5] Wabele, una de las máscaras del sistema religioso Senufo en el norte de Costa de Marfil. Con la cabeza de una hiena tragafuego, representa conocimiento y poder.

[6] Poniugo, otra máscara del sistema religioso Senufo, basado en el Poro, la iniciación en el corazón de los bosques sagrados y que gobierna a toda su sociedad.

[7] Kindack, lit. “maestra de recomendaciones”, título otorgado a las matriarcas. Mujeres que han alcanzado un nivel de sabiduría iniciándose como Mbock o Mbog, sistema religioso del país Bassa, en el centro de Camerún y equivalente al título de Mbombock reservado para los hombres.

[8] Ngo Biyong Bi Kuban, Es el nombre de mi abuela, mi iniciadora, una de los últimos sostenes de conocimiento “Ki-Yi Mbock” el cual he recibido el deber de transmitir y que he venido realizando por más de tres décadas.

Traducción del francés al inglés: Malory Domecyn / Tom Johnson

Traducción del inglés al castellano: Daniel Zárate

"Calígvla César" versión libre del texto "Calígula" de Albert Camus / por Alonso López de Lunajero Teatro se presenta en el Teatro de Cámara "Fernando Saavedra"

"Calígvla César" versión libre del texto "Calígula" de Albert Camus
Poder. Traición. Libertad.

Domingo 28 de enero 2018
19:30 horas
Teatro de Cámara "Fernando Saavedra"
entrada general $150.00
clasificación B15.

Boletos ya disponibles
vía WhatsApp en los teléfonos 6142451620 y 6142831821

O vía inbox en Lunajero Teatro o Luna Jero

 

Reparto:

Calígvla César: Oswaldo Tarrés
Cesonia: Laura Lee
Quereas: David Alcalá
Escipión: Roberto Rodríguez
Helicón: Christian Adriano
Patricios:Antonio Ramírez, Baldomero García, Ernesto Medina , Juan Pablo Obregón.
Mereya: Sergio Rodríguez
Mujer de Mucio: Miriam Licón

Música original: Andrés Blanco

Gracias y saludos cordiales!

Alonso López
LUNAJERO Teatro
6142451620

Homenaje Nacional a Víctor Hugo Rascón Banda / X Aniversario luctuoso

Año 2018: Homenaje Nacional al maestro Víctor Hugo Rascon Banda, con motivo del X Aniversario de su fallecimiento

 https://www.facebook.com/groups/1941975136015485/

Retrato de Jorge Ibargüengoitia / por César Tejeda de la Revista Nexos

https://cultura.nexos.com.mx/?p=14758

22 de enero de 2018

Hoy se celebran 90 años del nacimiento de Jorge Ibargüengoitia, el narrador, periodista y dramaturgo de ingenio afiladísimo cuya obra rezuma un aliento crítico incomparable en nuestras letras.

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Jorge Ibargüengoitia no sabía conducir; era un flâneur. Calzaba alpargatas —nunca zapatos ni calcetines— y con ellas daba largas caminatas: desde la sede del periódico Excélsior hasta su casa ubicada en Coyoacán, por ejemplo. En la cocina, su especialidad era mezclar la gastronomía mexicana con la italiana. Aseguraba que escribía un libro cada vez que quería leer un libro de Jorge Ibargüengoitia, su escritor predilecto. Fue boy scout de niño y joven. Elena Poniatowska cuenta que los veía a él y a su gran amigo Manuel Felguérez “parados en la calle Obrero Mundial enfundados en sus pantaloncitos cortos azul marino, su cabeza cubierta con sombreros de fieltro”. Estudió algunos semestres de ingeniería, a través de un “plan tetramestral”, diseñado por él mismo, que consistía en estudiar solo cuatro meses al año, tiempo en teoría suficiente para aprobar los exámenes. Cuando su plan fracasó, decidió trabajar en una hacienda perteneciente a su familia, ubicada en Guanajuato; no pudo sacarla adelante y decidió venderla. Era huérfano de padre; Alejandro Ibargüengoitia murió cuando Jorge tenía ocho meses. Vivió siempre con su madre Luz Antillón y una tía, quienes lo llamaban, como sus amigos más íntimos, Coco. De acuerdo con Víctor Díaz Arciniega, en las cartas que Jorge envió a su madre durante un viaje que hizo a Europa a los 19 años, no había “barruntos del futuro escritor, porque ni la sintaxis, ni la ortografía ni, mucho menos aún, la composición general […] correspondían a eso que ilusoria y típicamente se toma como el germen de un escritor”. Cuando la madre murió, él y su pareja, la pintora inglesa Joy Laville, pensaron enviar a la tía a un asilo de ancianos, aunque finalmente no lo hicieron; un gesto que solía enorgullecerlos. Practicó la autobiografía a través de su libro de cuentos La ley de Herodes y sus columnas bisemanales: “Porque un día puedo hablar en contra de Echeverría y al día siguiente en contra de Carlos Fuentes. Después se acaba el material y tengo que hablar de mí mismo”. Según Luis García Guerrero, “Jorge era de trato muy difícil, porque era muy cáustico y no perdonaba nada”. Juan García Ponce escribió: “Jorge era delgado y serio hasta parecer triste”. Según algunos no era un buen conversador, como si careciera de facilidad de palabra. Según Poniatowska sus palabras y juicio brotaban “como cohetes en un brillante fuego de artificio mental”.

Inició su carrera como escritor en la dramaturgia; decía que la chispa de la vocación literaria se había encendido en él un día de 1951, en el Teatro Juárez de Guanajuato, a donde acudió a ver Rosalba y los llaveros de Emilio Carballido: “Confieso con un poco de vergüenza que ninguna representación teatral me ha afectado tanto como aquella”. Estudió, junto a Luisa Josefina Hernández —su musa de juventud y con quien tuvo una relación tormentosa— en el taller de Teoría y Composición Dramática de Rodolfo Usigli. Su primera obra fue una comedia titulada Susana y los jóvenes que escribió a los 25 años, y en donde, según Vicente Leñero, se anunciaban las características de su obra posterior: “una dominante ironía, una aparente simpleza de conflicto y una soterrada amargura en sus personajes derivada de sentimientos de frustración”. Después de leer la obra con entusiasmo, Rodolfo Usigli puso en la espalda del joven dramaturgo una losa que tendría que cargar toda la vida: “posee usted virtudes humorísticas que habrá de ahondar”, le escribió en una carta. Jorge Ibargüengoitia aseguraba que no era humorista ni payaso, que no trataba de hacerse el gracioso, que solo decía lo que veía como lo veía. Le molestaba su fama de ingenioso y agudo. “No me halagan cuando me dicen: ‘Ay, me reí como una loca o un loco al leer su obra’”. Consideraba que la clase media —aborrecible— no tenía sentido del humor, ya que este es lo contrario de la cursilería. Si sus artículos eran ingeniosos es porque tenía ingenio y si eran arbitrarios es porque era árbitro, “y si son humorísticos es porque así veo las cosas, que esto no es virtud ni defecto, sino particularidad”. No tuvo el éxito que esperaba como dramaturgo y comenzó a escribir narrativa, sin olvidar su “deformación profesional de dramaturgo”, que lo hacía escribir novelas cortas. “El medio de comunicación adecuado para un hombre insociable como yo es la prosa narrativa”. Consideraba que Pedro Páramo no era una novela: “no es más que un tanteo en cierto sentido”. Y que “la única novela que era una maravilla en México” era de Luisa Josefina Hernández, pero cuando lo dijo, en junio de 1957, la novela no se había publicado todavía. Sus escritores de cabecera eran aquellos que veían el mundo como él: Evelyn Waugh y Celine.

Solía quejarse de su situación económica, aunque, más que por quejarse en sí, lo hacía para hacer bromas de sí mismo. “Cuando empezaba a preocuparme muy seriamente por mí manutención y la de mi tía y mi mamá (que solo comen pathe foigrass), me ofrecieron un trabajo en una compañía de publicidad que me proporcionará dinero para vivir ampliamente. Tuve que aceptar. Escribiré robándole tiempo al sueño, al alcohol o al amor”. Solía terminar sus artículos periodísticos, según Vicente Leñero, “de cualquier modo, sin remate alguno”.

César Tejeda 
Narrador. Autor de Épica de bolsillo para un joven de clase media y Mi abuelo y el dictador.

Programa de Estímulos a Creadores David Alfaro Siqueiros y Programa de Publicaciones PECDA 2016 / convocatoria

La Secretaría de Cultura del Gobierno de Chihuahua ha presentado las convocatorias del PECDA 2016 “David Alfaro Siqueiros” para la presentación de obras y proyectos que puedan ser merecedores de este estímulo a la creación.

La convocatoria se ha dado a conocer en rueda de prensa, en la que han participado el responsable del área de Desarrollo Artístico, Juan Castro, la encargada del programa PECDA 2016, Lic. Alejandra Rico, y la titular del área de Artes Escénicas, Cinthia Rodríguez.

A diferencia de anteriores ediciones, la presentación de los proyectos y el seguimiento de los mismos se realizarán de manera telemática a través del portal www.pecdaenlinea.cultura.gob.mx, donde también se pueden consultar las bases del programa, así como en la web www.ichicult.gob.mx. El plazo de presentación de propuestas inició este 21 de octubre y finalizará el próximo 15 de diciembre de 2016.

Otra de las novedades de la presente convocatoria es que se entregarán dos estímulos más respecto a los otorgados el año pasado, uno para jóvenes creadores y uno para creadores con trayectoria, además de incrementarse 6 mil pesos anuales por estímulo en la categoría de Jóvenes Creadores.

Las disciplinas que participan son Artes Visuales (pintura, escultura, gráfica, fotografía, cómic, dibujo, diseño gráfico, tapiz, instalación). Danza (coreografía). Letras (poesía, cuento, cuento infantil, novela y ensayo). Música (composición, interpretación y voz). Teatro (dramaturgia, performance, puesta en escena, o diseño escénico). Cine y Video (guion, realización de un cortometraje documental, ficción o animación).

Se otorgarán apoyos en las categorías Jóvenes Creadores (11 estímulos de 3,500 pesos mensuales). Creadores con trayectoria (6 estímulos de 5,000 pesos mensuales). Desarrollo artístico individual (3 estímulos de 5,000 pesos mensuales). Difusión del patrimonio cultural (2 estímulos de 3,500 pesos mensuales). Formación artística en el extranjero (3 estímulos de 10,000 pesos mensuales). Creación artística colectiva (3 estímulos de 60,000 pesos mensuales). Investigación artística (2 estímulos de 3,500 pesos mensuales). Creador emérito (1 estímulo de 70,000 pesos anual).

Los aspirantes contarán con asesorías y talleres para presentar sus proyectos y para desarrollarlos. Según explica la Lic. Alejandra Rico, se impartirán capacitaciones en los municipios de Ojinaga, Cuauhtémoc, Delicias, Ciudad Juárez, Camargo, Parral, Chihuahua, Janos, Aldama y Jiménez.

Paralelamente, los Jóvenes Creadores contarán con el apoyo de tutores para asesorarlos y ayudarlos en el desarrollo de sus proyectos.

Programa de publicaciones PECDA 2016

Este viernes 21 de octubre se ha presentado también la convocatoria para el Programa de Publicaciones PECDA 2016, cuyo plazo de recepción de trabajos finaliza el 15 de diciembre de 2016.

La convocatoria tiene como objetivo la promoción y difusión de las obras de los escritores, investigadores y artistas chihuahuenses, en las áreas de Artes Escénicas (dramaturgia o investigaciones sobre teatro, danza y música o manifestaciones escénicas alternativas). Artes Visuales (foto ensayos o ensayos sobre pintura, escultura, arquitectura, video, fotografía, cine, instalación, teoría de la estética).  Culturas Étnicas (diccionarios, tradición oral, traducciones de obras maestras de la literatura universal al alemán bajo (menonita), al rarámuri o cualquier otra lengua minoritaria del estado). Literatura (poesía, cuento, cuento infantil, novela, ensayo literario, crónica). Patrimonio Histórico y Cultural (ensayo sobre tradiciones, costumbres o patrimonio material). Reediciones y reimpresiones (sobre todas las áreas anteriormente mencionadas, una sola obra por autor).

La presentación de trabajos se deberá realizar en la Secretaría de Cultura de Chihuahua. Programa de Publicaciones 2016. Avenida Universidad y División del Norte S/N, Colonia Altavista. CP 31200. Chihuahua, Chihuahua.

EUGENIO BARBA / APUNTES SOBRE LA DRAMATURGIA

Saquen una Pluma Dramaturgia Rodante

https://saquenunapluma.wordpress.com/2014/10/22/notas-sobre-dramaturgia-eugenio-barba/

APUNTES SOBRE LA DRAMATURGIA
EUGENIO BARBA

Llamamos dramaturgia a una sucesión de acontecimientos basada en una técnica que apunta a proporcionar a cada acción una peripecia, un cambio de dirección y tensión. La dramaturgia no está ligada únicamente a la literatura dramática, ni se refiere sólo a las palabras o a la trama narrativa. Existe también una dramaturgia orgánica o dinámica, que orquesta los ritmos y dinamismos que afectan al espectador a nivel nervioso, sensorial y sensual. De este modo se puede hablar de dramaturgia también para aquellas formas de espectáculo – ya sean llamadas danza, mimo o teatro – que no están atadas a la representación ni a la interpretación de historias. Existe entonces una dramaturgia narrativa que enlaza los acontecimientos y los personajes y orienta a los espectadores sobre el sentido de lo que están viendo.

Esto puede también unir formas y figuras que no cuentan historias pero que van devanando variaciones de imágenes. Y existe una dramaturgia orgánica o dinámica que apela a un nivel diferente de percepción del espectador, es decir su sentido cenestésico y su sistema nervioso. En realidad, cada escena, cada secuencia, cada fragmento del espectáculo posee una dramaturgia propia. La dramaturgia es una manera de pensar.

Es una técnica que nos permite organizar los materiales para poder construir, develar y entrelazar relaciones. Es el proceso que nos permite transformar un conjunto de fragmentos en un único organismo en el cual los diferentes trozos no se pueden ya distinguir como objetos o individuos separados. Podemos hablar de una dramaturgia global del espectáculo y una dramaturgia para cada actor, una dramaturgia para el director y una para el autor. Incluso podemos mencionar una dramaturgia para el espectador, que consiste en el modo en que cada espectador vincula lo que ve en el espectáculo a lo que pertenece a su propia experiencia y lo llena con sus propias reacciones emotivas e intelectuales.

La dramaturgia crea coherencia. La coherencia no significa necesariamente claridad. Es la complejidad que anima una estructura y permite al espectador llenarla con su propia imaginación e ideas.

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Los materiales de actuación

La actuación trabaja y se constituye sobre tres tipos de relaciones:

1. Entre lo “visible” y lo “invisible”.
Entre el diseño exterior y lo mental, incluyendo en este último concepto las imágenes personales del actor y las motivaciones utilizadas para ejecutar la acción. Es un trabajo del actor sobre sí mismo, desentendido de la relación con los otros compañeros y el público. En este nivel el actor opera sobre su propia energía realizando las partituras de movimientos entre dos polos: forma vs precisión.-

2. Entre el actor y el espacio, el tiempo, los objetos, la música, el texto (en tanto que sonoridad a trabajar con la voz), los silencios, las luces, el vestuario y los compañeros de escena.
El actor trabaja su relación con “lo otro que está en escena”. Este plano de relaciones abarca la objetividad escénica y la textualidad (texto, hechos particulares de los personajes, historia en su totalidad) Es la relación que el actor entabla con otras realidades (objetos y sujetos) exteriores a su organismo psicofísico. El actor deberá realizar operaciones de transformación sobre estos objetos y sujetos, los que a su vez crearán tensiones y transformaciones en el propio actor.

La introducción de un accesorio en el espectáculo significa la presencia activa de un “compañero” (alguien/algo) que nos ayuda a reaccionar. Tengo que descubrir las “vidas” del objeto, sus múltiples utilizaciones, no sólo funcionales sobre la base del objeto mismo, sino sugestiones, invenciones, “encarnaciones” sorprendentes. ¿Cuál es su columna vertebral? ¿Cómo trabaja? ¿Puede marchar, bailar, volar, deslizarse? ¿Y su dinamismo? ¿Es veloz? ¿Puede hacerse lento? ¿Es pesado? ¿Puede volverse ligero? ¿Qué asociaciones nuevas puede despertar? ¿Cómo lo puedo manipular siguiendo la lógica de esas asociaciones? El objeto tiene “voz”. ¿Cómo hacer surgir sus potencialidades sonoras, cómo estructurarlas en melodías, en acentos que subrayen las acciones (1)?

Si le permitimos al objeto descubrir su libertad, su emancipación frente a nuestro control, obligamos a nuestro cuerpo/mente a estar totalmente presente, listo para reaccionar frente a las tareas más sencillas. No intentamos “expresar” algo. Intentamos sólo ejecutar, estar en la acción con toda nuestra presencia (2).

El actor deberá entonces enmarcar la objetividad (lo otro que está en escena) en esquemas ficcionales, en contextos narrativos o descriptivos, en los cuales actuará transformando esa objetividad y transformándose. La tarea del actor en este segundo nivel de relaciones no es sólo energética, sino esencialmente lingüística. Si el primer nivel es el dominio del cuerpo, este segundo nivel es el dominio del lenguaje.

Cuerpo y lenguaje son las dos riberas firmes que encauzan el fluir cálido y evasivo de la sangre de la actuación escénica (3).

Coincidimos con José Luis Valenzuela en que esa palabra, ese lenguaje es siempre del otro entendido como ese sistema de convenciones significantes que se nos impone y que regula la construcción de nuestro decir inteligible (4).

3. Entre el actor y su público.
El tercer nivel es el de la totalidad, es el tejido que revela patrones, matices, colores, dibujos; es la mina de la cual cada espectador va a extraer los significados. Es el nivel en el cual hay una elaboración precisa por parte del bailarín/actor para crear imágenes, asociaciones en el espectador, para dirigir su (a)tens(c)ión hacia perspectivas inusuales o inesperadas (5).

Es en este nivel donde aparece la significación y donde el actor seduce al espectador, lo hace reaccionar, lo induce a pensar, se transforma en la causa de su deseo.
Cenestesia (del griego koiné, común y áisthesis, sensación), etimológicamente significa sensación o percepción del movimiento. Son las sensaciones que se trasmiten continuamente desde todos los puntos del cuerpo al centro nervioso de las aferencias sensorias. Abarca dos tipos de sensibilidad: la sensibilidad propiamente visceral (“interoceptiva”) y la sensibilidad “propioceptiva” o postural, cuyo asiento periférico está situado en las articulaciones y los músculos (fuentes de sensaciones kinestésicas) y cuya función consiste en regular el equilibrio y las sinergias (las acciones voluntarias coordinadas) necesarias para llevar a cabo cualquier desplazamiento del cuerpo.
Notas:

(1) BARBA, Eugenio; Caballo de plata, Edición especial de Revista Escénica, México, UNAM,1986, pag.20.-
(2) VALENZUELA, José Luis; Antropología teatral y Acciones Físicas. Notas para un entrenamiento del actor, Bs As, Instituto Nacional del Teatro, 2000, pag.122.-
(3) VALENZUELA, José Luis; Antropología Teatral y Acciones Físicas. Notas para un entrenamiento del actor, Bs As, Instituto Nacional del Teatro, 2000, pag.122.-
(4) BARBA, Eugenio; Caballo de plata, Edición especial de Revista Escénica, Méxixo, UNAM, 1986, pag.120.-
(5) BARBA, Eugenio; Caballo de plata, Edición especial de Revista Escénica, México, UNAM, 1986, p.13.-
(6) BERNARD, Michel; “El cuerpo”, Ediciónes Paidós.-

“DÍA MUNDIAL DEL TEATRO 2016” / MENSAJE DE ANATOLI VASSILIEV PARA LOS CHIHUAHUENSES:

Domingo 27 de marzo de 2016

Anatoli Vassiliev

¿Necesitamos teatro? / Esa es la pregunta que surge en miles de profesionales del teatro decepcionados y en millones de personas cansadas de él.

¿Qué necesitamos de él? / Hoy en día la escena es tan insignificante, en comparación con las ciudades y estados donde se juegan auténticas tragedias de la vida real.

¿Qué es él para nosotros? / Galerías y balcones, bañados de oro y plata; en las salas, sillones de terciopelo, actores de voces bien pulidas o viceversa, algo que puede lucir aparentemente diferente: cajas negras, manchadas de barro y sangre, con un montón de cuerpos desnudos rabiosos al interior.

¿Qué está dispuesto a decirnos? / ¡Todo!

El teatro puede decirnos todo. / Cómo los dioses habitan en el cielo, y cómo los presos languidecen en cuevas subterráneas, olvidadas, y cómo la pasión nos puede elevar, y cómo el amor puede destruir, y cómo nadie necesita una buena persona en este mundo, y cómo reina la decepción, y cómo la gente vive en apartamentos, mientras que los niños se marchitan en campos de refugiados, y cómo todos tienen que volver de nuevo al desierto, y cómo día tras día nos vemos obligados a apartarnos de nuestros seres amados, el teatro puede decirnos todo.

El teatro siempre ha estado y siempre permanecerá. / Y ahora, en estos últimos cincuenta o setenta años, es particularmente necesario. Porque si usted ve todas las artes públicas, puede observar de inmediato que sólo el teatro nos da una palabra de boca en boca, una mirada de ojo a ojo, un gesto de mano en mano y de cuerpo a cuerpo. No necesita ningún intermediario para trabajar entre seres humanos, constituye el lado más transparente de la luz, no pertenece más al sur, o al norte o al este u oeste, oh no, es la esencia de su propia luz, brillando desde todos los rincones del mundo, inmediatamente reconocible por cualquier persona, ya sea hostil o amigable hacia él.

Y necesitamos teatro que permanece siempre diferente, necesitamos teatro de muchas formas diferentes. / Aún así, creo que entre todas las formas de teatro posibles, sus formas arcaicas demostrarán ahora ser las de mayor demanda. El teatro de formas rituales no debe oponerse artificialmente al de naciones “civilizadas”. La cultura secular está siendo cada vez más castrada, la llamada “información cultural” sustituye gradualmente y suplanta entidades simples, así como nuestra esperanza de cumplirles un día.

Pero puedo ver claramente ahora: el teatro está abriendo sus puertas de par en par. Entrada gratuita para todos y cada uno. / Al diablo con aparatos y dispositivos, ¡ir al teatro!, ¡ocupar filas enteras de butacas en las galerías, escuchar la palabra y mirar imágenes en vivo! El teatro está frente a usted, no lo descuide y no se pierda la oportunidad de participar en él, tal vez la más preciosa oportunidad que tenemos en nuestras vanas y apresuradas vidas.

Necesitamos cada forma de teatro. / Sólo hay un teatro que seguramente no es necesario para nadie, me refiero al teatro de juegos políticos, un teatro de políticas “ratoneras”, un teatro de políticos, un inútil teatro de políticos. Lo que sin duda no necesitamos es un teatro de terror cotidiano, ya sea en lo individual o colectivo, lo que no necesitamos es la escena de cadáveres y sangre en las calles y plazas de las capitales o provincias, un teatro falso sobre los enfrentamientos entre religiones o grupos étnicos…

Traducción: César C. Muñoz / Centro Mexicano ITI Iti Unesco Centro Mexicano

ANATOLI VASSILIEV (Nació el 4 de mayo de 1942, Danilovka, Región de Penza, Rusia) Anatoli Vassiliev es un director y profesor de teatro ruso de renombre internacional. Fundador de la Escuela de Arte Dramático del Teatro de Moscú inicialmente ubicado en la avenida Povarskaia, de donde se trasladó a un edificio nuevo en la calle Sretenka. Un espacio arquitectónico original concebido según los planes de Vassiliev para los fines de investigación teatral a los que está dedicado.

Ha enseñado en muchas ocasiones en el Conservatorio Estatal de Arte Dramático de Lunacharski (GITIS), el Instituto de Cine de Moscú VGIK, y el ENSATT (Escuela Nacional Superior de Artes y Técnicas de Teatro) en Lyon, Francia. Se le considera como el más grande director ruso de su generación.

En 1968 se matricula en GITIS y estudia con Andrei Popov y María Knebel. En 1973 comienza a trabajar en el Teatro de Arte de Moscú, donde adapta “Solo para un reloj con campanas” de Osvald Zagradnik. A partir de 1977, trabaja en el Teatro Stanislavski bajo la dirección de Andrei Popov. Se gana el reconocimiento con la adaptación teatral de “El primer esbozo de Vassa Zheleznova” de Máximo Gorki, y “La hija mayor de un hombre joven” de Victor Slavkin. En 1982 es invitado por el Teatro Taganka de Yuri Luybimov. Su presentación “Cerceau”, fue reconocida como la mejor adaptación en 1985. Durante la década de 1980 comienza a dar clases a guionistas y directores de cine.

Establece su teatro, la Escuela de Arte Dramático, en 1987. Las primeras representaciones se llevan a cabo en el sótano de la construcción en el edificio de la avenida Povarskaia, al norte del distrito de Arbat, en el centro de Moscú. La temporada inaugural de la compañía comenzó el 24 de febrero de 1987 con “Seis personajes en busca de autor” de Luigi Pirandello; junto con “Cerceau”, que Viktor Slavkin escribió específicamente para la compañía, ambas producciones estuvieron de gira en Europa Occidental por primera vez entre 1987 y 1988. Su escuela se convierte en un laboratorio de experimentación sobre la voz y el cuerpo del actor.

Vassiliev se dedica a la puesta en escena de textos no teatrales con el fin de interrogar su oralidad y valor literario. Después de haberse educado musicalmente a sí mismo, a menudo retorna a la música en su obra. Luego de estudiar a profundidad las estructuras de la obra a través de la metodología del «Etude» se ve interesado en las formas de la vida interior de una idea, que pueden manifestarse a través del verbo. Estudia la materialidad del sonido, la entonación, buscando poner las palabras en movimiento: “el sonido debe hacerse carne”.

Anatoli Vassiliev va ganando reputación internacional. En 1992 pone en escena “Mascarada” de Lermontov en la Comédie Française, y al año siguiente, en Roma, “Cada uno a su manera” de Pirandello. En 1997 con “Las lamentaciones de Jeremías” participa en los festivales de Aviñón, en Italia y Berlín. La obra recibe la presea nacional “Máscara de Oro” de Rusia como mejor puesta en escena y mejor escenografía. En 1998 se presenta “Don Juan o el Invitado de Piedra” de Pushkin en el Cartoucherie. Pone en escena “El Sueño del Tío” de Dostoievski (1994, Budapest), “Dama Pika” de Tchaikovsky (1996 Weimar), “Culpables Inocentes” de Ostrovski (Hungría 1998), “Mozart y Salieri” de Pushkin (2000), y “Medea Material” de Heiner Müller (2001).

El 4 de mayo de 2001 la compañía se traslada al nuevo edificio de avenida Sretenka, construido de acuerdo a los planes de Vassiliev, Igor Popov, Boris Tkhor y Sergei Goussarev. La estructura del nuevo edificio, con sus dos escenarios (la Manege y el Globo) y sus amplias ventanas de cristal, se considera que contribuyen a la atmósfera de un laboratorio artístico al que aspiran sus creadores.

En 2005 pone en escena nuevamente “Medea Material” en el Teatro de los Amandiers en Nanterre. En 2006 se presenta “A partir del viaje de Oniegin”, adaptado de Pushkin y Tchaikovsky en el teatro Odeon y es invitado por el festival de Aviñón para presentar “Mozart y Salieri” y “La Ilíada”.

Ese mismo año, tras un conflicto con las autoridades administrativas de Moscú, Vassiliev sale de su cargo en la Escuela de Arte Dramático y se traslada a Europa. Trabaja en París, Lyon y Londres. Tres años más tarde es invitado por el director del Teatro Bolshoi para poner en escena una adaptación de “Don Giovanni”. En 2010 pone en marcha un curso de tres años para la formación de educadores de teatro. El curso, con sede en Venecia, tiene una duración de dos meses cada año y está dirigido principalmente a profesionales italianos, aunque también atrae a educadores, actores y directores de todo el mundo. En 2011, en el Instituto Grotowski en Wroclaw, Polonia, crea un seminario de investigación sobre técnicas de actuación. El seminario duró 2 años y reunió a los graduados del curso de Venecia junto a actores de varios países europeos.

Hasta marzo del año 2016 Vassiliev dirige “La Musica Deuxième” de Marguerite Duras, en la Comédie Française en París. Asistido por su colaboradora de hace tiempo Natalia Issaeva, traductora e investigadora de teatro y por Boaz Trinker, un especialista en formación de actores.

 

Teatristas y Profesionales chihuahuenses que han aportado capital cultural a las Artes Escénicas con su pasión y desvelos, inteligencia y experiencia, escritura y pensamiento, creatividad e innovación, estudio y crítica, estética y plástica, técnicas y teorías,  tiempo, dinero y esfuerzo:

Rocío Vences López, Alejandro Chávez Reséndiz, Luz Concepción Pérez Chávez de Mendoza, Manuel Talavera Trejo, Virginia Domínguez Flores, Salvador Lomelí Orozco, Dolores Olivas, Sergio Fernández Silva, Laura Lee, Oscar Erives Escárcega, Perla de la Rosa, Jesús José Ramírez Mendoza, Rocío García Hernández, Jaime Marizcal, Marisa Gishé Chávez Rodríguez, Leobardo Ramos, Adriana Morales Torres, Damián Cortés Vital, Abril Jiménez, Abraham Baltiérrez, Alejandra García Codina, Hilda Nájera Arreola, Gerardo Castañeda López, Alondra Alicia Hernández, Abraham Hernández, Larizza Pérez Arvizo, Job Garcia Carbajal, Flor Elizabeth Hernández Quintana, Daniel Ramos, Melissa Baca Maldonado, Alejandro Talamantes Mariscal, Brisia Vanessa Serna Nieto, Alejandro Olace Moreno, Georgina Ayub, Víctor L. Ruiz, Zarina Medina Padilla, Heber Villegas Carrasco, María Sánchez Portillo, Jair García, Susana Flores Aguirre, Alfredo Vázquez Muñoz, Felipe Nájera Arreola, Mireya Vidales, Pedro Kóminik Sterling, Ernesto Medina, Carlos Leonel Díaz, Carla Denise Gutiérrez, César Hernández, Holda Ramírez Manzano, César Augusto González Espino, Daniel Gómez Mendiola, Rosa María Sáenz, David Abdiel Alcalá Castro, Angélica Martínez Hinojos, Federico Valencia, Hernán Hernández Castillo, Io Rodríguez Rizo, Alejandro Navarrete Jurado, Ane de la Torre Gutiérrez, Eduardo Alcalá, Jesús Pérez, Homero Baeza, Hortensia González Torres, José Luis Acosta Aranda, Paulina Grajeda Uribe, Fernando Chávez Amaya, Edeberto “Pilo” Galindo Noriega, Lilian Viveros, Paloma Castillo Varela, José Luis García Rodríguez, Patricia Rivero Parra, Adolfo Barraza Orona, Adrián Villegas Madriles, Laura Cristina Terrazas Rodríguez, Rubén Adrián Almeida Sosa, Luis Heraclio Sierra Soto, Víctor Velo, Juan Manuel Córdova Fernández, Víctor Manuel Córdova Pereyra, Carmen De La Mora Laphond, Iván Elier, Antonio Reséndez Montañez, Jaime Félix Correa, Blanca Bustillos, Felipe Saavedra Montoya, Roberto Ransom Carty, Sergio Juárez, Adriana Barraza, Chiquina Marmolejo, Armando Nicolás Torres Correa, Ligia Campos, Margot Hernández, Rubén Jordan Peña, Marcela Palos, Jesús Monreal Carrillo, Jorge Hernández, Marlene Rivera Flores, Laura Goretti Perales Venegas, José Joaquín Cossío Ozuna, Karyna Rascón Oaxaca, Maribel Chan Antillón, Jaime De La Torre, Cecilia Ocón, Andrés Chaidez, Paola Loya, Rocío Chávez, Armando González Durán, Ana Nieto, Miriam Lorena Licón, Sara Rosales, Viridiana, Gloria Armendáriz Moreno, Lizeth Loya, César Gómez Luna, Arturo Arana Mata, Alejandra Campos, Azgard Ramírez Manzano, Omar Torres Correa, Gabriela Chapa Balcorta, Cosme Ceballos, Chumel Torres, Alba Álvarez, Martín Fernando Tanino, Kenia Mendoza León, José Sandoval, Karen Licón, Javier López, Jazmín Medina Rentería, Karina Maldonado, Andrea Montes Olivas, Alberto Ávila Cisneros, Moctezuma Torres, Adriana Nájera, Francisco Ortega Arzaga, Inet Simental, Griselda McDonald, Enrique Amaya Neudert, Alba Ramírez, Marisol Nájera, Rosa Akerman, Corina Arzate Ortega, Mireya Flores Rodríguez, Ofelia Contreras, Daynalie Ortiz Enríquez, Tania Del Castillo, Brisia Ramírez, Jennifer Calderón, Said Armando Corral Núñez, Patricia Segura Silva, Raúl Valles, Mayra Gallardo, Reyna Rodríguez, Ana Caro Rivera, Juan Carlos Bustamante, Bárbara Juárez Jáquez, Alma Torres, Juan Pablo Obregón, Daniel Sosa Derat, Mayra Angélica Chávez López, Víctor Palacios, Karla Sugeil Guadarrama, Heidi Palma Fernández, Arturo Gómez, Casandra Martínez Carrasco, Trheasy García, Karla Monjaráz, Luis González, Álvaro Perea, Dalila González, Mabel Morales, Luis Bizarro, César Cabrera, Nahid Rivera, Daniela Enríquez, Katya Torres, Paulina de Haro, Mónica Chavira, Salvador Salazar, Rosa Peña, Dolores Lucía Domínguez Camacho, César Fernández Escudero, Cinthia Aguirre, Cynthia Esparza, Fabiola Torres, Liz Díaz, Nayhma Vega Sotelo, Diana López, Alondra Juárez Fontes, Tamara Punker, Alejandra González Pinedo, Ana Yolanda González Flores, Ana Luisa Chávez Rojas, Brisa Anahí Reyes Rodríguez, Carlos Omar Vázquez González, Itzel Anahí Vargas Quevedo, Liliana Aideé Tarango Ruíz, Valeria Loera, Jaime Álvarez Ochoa, Zaira Sánchez Romero, Pedro Hugo Codina Armendáriz, Alfa Díaz, Sonia González Carmona, Jesús Cora González, Raúl Gómez Franco, Marcela Palma Gardea, Jorge San Miguel, Luisa Fernanda Loera Rascón, Luisa Samaniego, Luisa Etzel, Monique Ciruela, Ilse Koch, Raymundo Medina Pitufo, Antonio Ramírez Soto, Antonio Alberto Mendoza Solís, Antonio Zúñiga, Liz Mirel Cazares Torres, Alberto Simental, Sol Juárez, Verónica Contreras Núñez, Karla Carolina Venegas Ramírez, Luis Alonso López Castro, Christian Adriano Sáenz, Roberto Mantilla, Cristina Almeida Trasviña, Ángel Lozoya, Yazmin Vences Torres, Iván Carlos Hernández, Paulina Pérez Campos, René Cardona Bejarano, Verónica Encinas, Verónica Rodríguez, Gabriela Gabirio Hernández, Xochitl Gabriela Romero Mozqueda, Erick Calderón Reyes, Alejandro Tarango, Diego Franco, Haide Cruz Armenta, Mauricio Torres, Samuel Banda Guerra, Karen Banda, Bernardo Robles Pérez, Norma Rebeca Ramírez Silva, Armando Robles Pérez, Alicia Portillo Acosta, Alexis Mendoza Torres, David González, Sergio Torres, Carlos Urquidi Granados, Carlos Malangón, Alma Zuany, Alex Duarte Camacho, Alex Azua, Jesús Alberto Méndez Mercado, Karen Salcido, Karen Beltrán, Edgar Reyes Solís, Judith Gardea, Roberto Rodríguez Rodríguez, Diana Laura Bravo Contreras, Luz Marisol Contreras Ortega, Miguel Serna Ochoa, Roberto Ginez, Gabriela Flores Olvera, Raúl Balderrama Montes, Alejandra Olvera Hinojos, Raúl Espinosa, Mary Mc Lennon, Diana de la Riva, Jonathan James Barousse, Fernando Rafael Orozco, Krista Licón Oppenheimer, Eimer Atzuil Corral, Alberto Gaytán Arzola, Marcela Frías de Vargas, Jesús Vargas, Omar Ronquillo, Adolfo Barraza Rivero, Emilio Humberto Cuilty Luna, Gustavo Flores Ortega, Mónica Denisse Taboada Chávez, Dea Cecilia Solís Tanner, José León Cárdenas Verdugo, Pedro Rangel Lázaro, Antonio Varela Chávez, Ramón Farías Rascón, Jaime Rodríguez, Betty Montiel, Ricardo Aziz Nassif, Nora Rascón Novoa, Ramón Quintana, Tomás Chacón Rodríguez, Viki Mauleón,

+ Nacho Medrano, Fernando Saavedra Castruita, José Pérez Delgado, Víctor Hugo Rascón Banda, Enrique Macín, Mario Humberto Chávez, Enrique Hernández Soto, Gracia Pasquel, Octavio Trías, Sergio Cervantes, Ignacio Monjes Díaz, José Blanco Gil, Jorge Malottky Arreola, Fernando Regalado, José Fuentes Mares, Miguel Rodarte +

Atentamente: Martín Hernández Molina.